Psicología del arte
La psicología del arte es un campo interdisciplinario que estudia la percepción, la cognición y las características del arte y su producción. Para el uso de materiales de arte como una forma de psicoterapia, ver terapia de arte. La psicología del arte está relacionada con la psicología arquitectónica y la psicología ambiental.
El trabajo de Theodor Lipps, un psicólogo investigador con sede en Múnich, desempeñó un papel importante en el desarrollo temprano del concepto de psicología del arte en la primera década del siglo XX. Su contribución más importante a este respecto fue su intento de teorizar la cuestión de Einfuehlung o » empatía «, un término que se convertiría en un elemento clave en muchas teorías posteriores de la psicología del arte.
Alcance
Historia
1880-1950
Uno de los primeros en integrar la psicología con la historia del arte fue Heinrich Wölfflin (1864–1945), un crítico e historiador de arte suizo, cuya disertación Prolegomena zu einer Psychologie der Architektur (1886) intentó demostrar que la arquitectura podía entenderse desde un punto de vista puramente psicológico ( a diferencia de un punto de vista histórico-progresista).
Otra figura importante en el desarrollo de la psicología del arte fue Wilhelm Worringer, quien proporcionó algunas de las primeras justificaciones teóricas para el arte expresionista. La psicología del arte (1925) de Lev Vygotsky (1896–1934) es otra obra clásica. Richard Müller-Freienfels fue otro importante teórico temprano.
Numerosos artistas en el siglo XX comenzaron a verse influenciados por el argumento psicológico, incluidos Naum Gabo, Paul Klee, Wassily Kandinsky y algo así como Josef Albers y György Kepes. El aventurero y teórico de cine francés André Malraux también estaba interesado en el tema y escribió el libro La Psychologie de l’Art (1947-9), más tarde revisado y republicado como Las voces del silencio.
1950-presente
Aunque los fundamentos disciplinarios de la psicología del arte se desarrollaron por primera vez en Alemania, pronto hubo defensores, en psicología, artes o filosofía, persiguiendo sus propias variantes en la URSS, Inglaterra ( Clive Bell y Herbert Read ), Francia ( André Malraux, Jean -Paul Weber, por ejemplo), y los Estados Unidos.
En los Estados Unidos, las premisas filosóficas de la psicología del arte se fortalecieron, y se les dio valencia política, en el trabajo de John Dewey. His Art as Experience fue publicado en 1934, y fue la base de revisiones significativas en las prácticas de enseñanza, ya sea en el jardín de infantes o en la universidad.
Manuel Barkan, director de la Escuela de Bellas Artes y Artes Aplicadas de la Universidad de Ohio, y uno de los muchos pedagogos influenciados por los escritos de Dewey, explica, por ejemplo, en su libro The Foundations of Art Education (1955), que La educación estética de los niños prepara al niño para una vida en una democracia compleja.
El propio Dewey desempeñó un papel fundamental en la creación del programa de la Fundación Barnes.en Filadelfia, que se hizo famosa por su intento de integrar el arte en la experiencia del aula.
El crecimiento de la psicología del arte entre 1950 y 1970 también coincidió con la expansión de la historia del arte y los programas de museos. La popularidad de la psicología de la Gestalt en la década de 1950 agregó más peso a la disciplina. El trabajo seminal fue Terapia Gestalt: entusiasmo y crecimiento en la personalidad humana (1951), coautor de Fritz Perls, Paul Goodman y Ralph Hefferline.
Los escritos de Rudolf Arnheim (nacido en 1904) también fueron particularmente influyentes durante este período. Su Toward a Psychology of Art (Berkeley: University of California Press) se publicó en 1966. La terapia del arte se basó en muchas de las lecciones de la psicología del arte y trató de implementarlas en el contexto de la reparación del ego.
El marketing también comenzó a aprovechar las lecciones de la psicología del arte en el diseño de las tiendas, así como en la colocación y diseño de productos comerciales.
La psicología del arte, en general, estaba en desacuerdo con los principios del psicoanálisis freudiano, ya que muchos psicólogos del arte criticaban lo que interpretaban como su reductivismo. Sigmund Freud creía que el proceso creativo es una alternativa a las neurosis. Sintió que probablemente era una especie de mecanismo de defensa contra los efectos negativos de las neurosis, una forma de traducir esa energía en algo socialmente aceptable, que pudiera entretener y complacer a los demás.
Los escritos de Carl JungSin embargo, tuvo una recepción favorable entre los psicólogos del arte dada su descripción optimista del papel del arte y su creencia de que el arte y otras formas de expresión cultural podían acceder a los contenidos del inconsciente personal y, más particularmente, al inconsciente colectivo.
En la década de 1970, la centralidad de la psicología del arte en la academia comenzó a disminuir. Los artistas se interesaron más en el psicoanálisis y el feminismo, y arquitectos en la fenomenología y los escritos de Wittgenstein, Lyotard y Derrida. En cuanto a los historiadores del arte y la arquitectura, criticaron a la psicología por ser anti-contextual y culturalmente ingenua.
Erwin Panofsky, quien tuvo un tremendo impacto en la forma de la historia del arte en los Estados Unidos, argumentó que los historiadores deberían centrarse menos en lo que se ve y más en lo que se pensaba.Hoy, la psicología todavía juega un papel importante en el discurso del arte, aunque principalmente en el campo de la apreciación del arte.
Debido al creciente interés en la teoría de la personalidad, especialmente en relación con el trabajo de Isabel Briggs Myers y Katherine Briggs (desarrolladores del Indicador de tipo Myers-Briggs ), los teóricos contemporáneos están investigando la relación entre el tipo de personalidad y el arte. Patricia Dinkelaker y John Fudjack han abordado la relación entre los tipos de personalidad de los artistas y las obras de arte;
Enfoques del arte como reflejo de las preferencias funcionales asociadas con el tipo de personalidad; y la función del arte en la sociedad a la luz de la teoría de la personalidad.
Experiencia Estética
Se considera que el arte es un campo subjetivo, en el que uno compone y ve obras de arte de maneras únicas que reflejan la experiencia, el conocimiento, la preferencia y las emociones de uno. La experiencia estética abarca la relación entre el espectador y el objeto de arte. En términos del artista, hay un apego emocional que impulsa el enfoque del arte.
Un artista debe estar completamente en sintonía con el objeto de arte para enriquecer su creación. A medida que la obra de arte progresa durante el proceso creativo, también lo hace el artista. Ambos crecen y cambian para adquirir un nuevo significado. Si el artista está demasiado apegado emocionalmente o carece de compatibilidad emocional con una obra de arte, esto tendrá un impacto negativo en el producto terminado.
Según Bosanquet (1892), la «actitud estética» es importante para ver el arte porque le permite a uno considerar un objeto con gran interés para ver lo que sugiere. Sin embargo, el arte no evoca una experiencia estética a menos que el espectador esté dispuesto y abierto a ella. No importa cuán convincente sea el objeto, depende del espectador permitir la existencia de tal experiencia.
A los ojos del psicólogo de la Gestalt Rudolf Arnheim, la experiencia estética del arte enfatiza la relación entre el objeto completo y sus partes individuales. Es ampliamente conocido por centrarse en las experiencias e interpretaciones de obras de arte, y cómo proporcionan información sobre la vida de las personas.
Estaba menos preocupado por los contextos culturales y sociales de la experiencia de crear y ver obras de arte. A sus ojos, un objeto en su conjunto se considera con menos escrutinio y crítica que la consideración de los aspectos específicos de su entidad. Las ilustraciones reflejan la «experiencia vivida» de su vida.
Arnheim creía que todos los procesos psicológicos tienen cualidades cognitivas, emocionales y motivacionales, que se reflejan en las composiciones de cada artista.
Investigación psicológica
Descripción general: procesamiento ascendente y descendente
Los psicólogos cognitivos consideran tanto el procesamiento «de abajo hacia arriba» como el de «arriba hacia abajo» cuando consideran casi cualquier área de investigación, incluida la visión. Similar a cómo se usan estos términos en el diseño de software, «de abajo hacia arriba» se refiere a cómo el sistema visual procesa la información en el estímulo en colores, formas, patrones, etc.
De arriba hacia abajo» se refiere al conocimiento conceptual y la experiencia pasada del individuo en particular. Los factores ascendentes identificados en cómo se aprecia el arte incluyen pintura abstracta versus figurativa, forma, complejidad, simetría y equilibrio compositivo, lateralidad y movimiento.Las influencias de arriba hacia abajo identificadas como relacionadas con la apreciación del arte incluyen prototipicidad, novedad, información adicional como títulos y experiencia.
Arte abstracto versus figurativo
Las pinturas abstractas son únicas en el abandono explícito de las intenciones de representación. El arte figurativo o representativo se describe como inequívoco o requiere una interpretación leve.
La importancia del significado
El desagrado popular por el arte abstracto es una consecuencia directa de la ambigüedad semántica. Los investigadores han examinado el papel de la teoría del manejo del terror (TMT) con respecto al significado y la experiencia estética del arte abstracto versus el arte figurativo. Esta teoría sugiere que los humanos, como todas las formas de vida, están biológicamente orientados hacia la supervivencia continua, pero son especialmente conscientes de que sus vidas inevitablemente terminarán.
TMT revela que el arte moderno a menudo no le gusta porque carece de un significado apreciable y, por lo tanto, es incompatible con el motivo subyacente de gestión del terror para mantener una concepción significativa de la realidad. Relevancia de mortalidad, o el conocimiento de acercarse a la muerte, fue manipulado en un estudio dirigido a examinar cómo las preferencias estéticas para el arte aparentemente significativo y sin sentido están influenciadas por las insinuaciones de mortalidad.
La condición de relevancia de la mortalidad consistió en dos preguntas abiertas sobre las emociones y los detalles físicos sobre la propia muerte del participante. Luego, se instruyó a los participantes para que vieran dos pinturas abstractas y calificaran cuán atractivas las encuentran. Una prueba t que compara la condición de saliencia de mortalidad y el control encontró que los participantes en la condición de saliencia de mortalidad encontraron el arte menos atractivo.
El modelo de mantenimiento de significado de la sociología establece que cuando un marco de significado comprometido se ve amenazado, las personas experimentan un estado de excitación que los impulsa a afirmar cualquier otro marco de significado con el que están comprometidas. Los investigadores trataron de ilustrar este fenómeno al demostrar una mayor necesidad personal de estructura después de la experiencia de las obras de arte abstractas.
Los participantes fueron asignados aleatoriamente a una visualización de obras de arte entre sujetos (obras de arte abstractas versus representativas versus absurdas), seguido de la asignación de la escala de Necesidad personal de estructura. La escala de necesidad personal de estructura se utiliza para detectar aumentos temporales en la necesidad de significado de las personas.Teóricamente, uno debería experimentar una mayor necesidad de estructura al ver el arte abstracto que el arte figurativo, ya que las amenazas de significado no relacionadas (arte abstracto) evocan una necesidad general de significado aumentada temporalmente.
Sin embargo, los resultados mostraron que las puntuaciones generales para el arte de representación y el arte abstracto no diferían significativamente entre sí. Los participantes informaron puntuaciones más altas en la escala de Necesidad personal de estructura en el arte absurdo en lugar de abstracto.
Sin embargo, queda la pregunta de si se obtendrían los mismos tipos de resultados con una muestra ampliada de imágenes expresionistas abstractas o absurdas.
Complejidad
Los estudios han demostrado que, al observar el arte abstracto, las personas prefieren la complejidad del trabajo hasta cierto punto. Al medir el «interés» y el «agrado», los espectadores calificaron los trabajos más altos para los trabajos abstractos que eran más complejos. Con una exposición adicional al trabajo abstracto, las calificaciones de me gusta continuaron aumentando con la complejidad subjetiva (calificación del espectador) y la complejidad juzgada (calificación del artista).
Esto solo era cierto hasta cierto punto. Cuando las obras se volvieron demasiado complejas, a la gente le empezaron a gustar menos las obras.
Evidencia neuronal
La evidencia neuroanatómica de los estudios que utilizan escáneres fMRI de preferencia estética muestra que las pinturas representativas son preferibles a las pinturas abstractas. Esto se muestra a través de la activación significativa de las regiones del cerebro relacionadas con las calificaciones de preferencia.
Para probar esto, los investigadores hicieron que los participantes vieran pinturas que variaban según el tipo (representacional versus abstracto) y el formato (original vs. alterado vs. filtrado). Los resultados del comportamiento demostraron una preferencia significativamente mayor por las pinturas representativas.
Existe una correlación positiva entre las calificaciones de preferencia y la latencia de respuesta. Los resultados de FMRI revelaron que la actividad en el núcleo caudado derecho se extiende hasta el putamendisminución en respuesta a la disminución de preferencia por pinturas, mientras que la actividad en la izquierda surco cingulado, circunvoluciones occipitales bilaterales, circunvoluciones bilateral fusiforme, giro fusiforme derecha, y cerebelo bilateral aumentó en respuesta a la creciente preferencia por pinturas.
Las diferencias observadas fueron un reflejo de una activación relativamente mayor asociada con una mayor preferencia por las pinturas representativas.
También se han realizado estudios de ondas cerebrales para observar cómo los artistas y los no artistas reaccionan de diferentes maneras al arte abstracto y representativo. Los escáneres cerebrales de EEG mostraron que, al ver arte abstracto, los no artistas mostraron menos excitación que los artistas.
Sin embargo, mientras veían el arte figurativo, tanto los artistas como los no artistas tenían una excitación y capacidad comparables para prestar atención y evaluar los estímulos artísticos. Esto sugiere que el arte abstracto requiere más experiencia para apreciarlo que el arte figurativo.
Tipo de personalidad
Los rasgos de personalidad individuales también están relacionados con la experiencia estética y la preferencia artística. Las personas crónicamente dispuestas a un conocimiento claro, simple y sin ambigüedades expresan una experiencia estética particularmente negativa hacia el arte abstracto, debido al vacío de contenido significativo.
Los estudios han proporcionado evidencia de que la elección de arte de una persona puede ser una medida útil de la personalidad. Los rasgos de personalidad individuales están relacionados con la experiencia estética y las preferencias artísticas. La prueba de personalidad después de ver el arte abstracto y representativo se realizó en el NEO Five-Factor Inventory que mide los «cinco grandes» factores de la personalidad.
Al hacer referencia a las dimensiones de la personalidad de los «Cinco Grandes», la búsqueda de emociones y aventuras se correlacionó positivamente con un gusto por el arte representativo, mientras que la desinhibición se asoció con calificaciones positivas del arte abstracto. El neuroticismo se correlacionó positivamente con las calificaciones positivas del arte abstracto, mientras que la Conciencia se relacionó con el gusto por el arte representativo.
La apertura a la experiencia estaba vinculada a valoraciones positivas del arte abstracto y representativo.
Evaluación automática
Los estudios que analizan la evaluación implícita y automática de obras de arte han investigado cómo las personas reaccionan a las obras de arte abstractas y figurativas en una fracción de segundo antes de que tengan tiempo de pensar en ello. En la evaluación implícita, las personas reaccionaron más positivamente al arte figurativo, donde al menos pudieron distinguir las formas.
En términos de evaluación explícita, cuando las personas tenían que pensar sobre el arte, no había una diferencia real en el juicio entre el arte abstracto y el representativo.
Lateralidad y movimiento
Dirección y lectura de dirección
La lateralidad y el movimiento en las artes visuales incluyen aspectos como el interés, el peso y el equilibrio. Se han realizado muchos estudios sobre el impacto de la mano y la dirección de lectura sobre cómo se percibe una obra de arte. Se han realizado investigaciones para determinar si la especialización hemisférica o los hábitos de lectura afectan la dirección en que los participantes «leen» una pintura.
Los resultados indican que ambos factores contribuyen al proceso. Además, la especialización hemisférica lleva a las personas a leer de izquierda a derecha, dando a esos lectores una ventaja. A partir de estos hallazgos, otros investigadores estudiaron la idea de que las personas que están acostumbradas a leer en cierta dirección (de derecha a izquierda, de izquierda a derecha) mostrarían un sesgo en sus propios dibujos representativos que reflejan la dirección de sus hábitos de lectura.
Los resultados indicaron que esta predicción era cierta, ya que los dibujos de los participantes reflejaban su sesgo de lectura.
Los investigadores también observaron si la dirección de lectura de uno a otro, de izquierda a derecha o de derecha a izquierda, afecta la preferencia de una direccionalidad de izquierda a derecha o de direccionalidad de derecha a izquierda en las imágenes. A los participantes se les mostraron imágenes, así como su imagen especular, y se les pidió que indicaran cuáles encontraban más estéticamente agradables.
En general, los resultados indican que la direccionalidad de lectura de uno impacta la preferencia de uno por las imágenes, ya sea con direccionalidad de izquierda a derecha o con direccionalidad de derecha a izquierda.
En otro estudio, los investigadores examinaron si el sesgo del lado derecho en la preferencia estética se ve afectado por la mano o los hábitos de lectura / escritura. Los investigadores analizaron lectores rusos, lectores árabes y lectores hebreos que eran diestros y no diestros. Los participantes vieron imágenes tomadas de libros de arte que eran perfiles o rostros y cuerpos humanos en dos bloques.
Las imágenes se mostraron a los participantes como pares orientados hacia adentro o hacia afuera y luego en la orientación opuesta. Después de ver cada par, se preguntó a los participantes qué imagen del par era más estéticamente agradable. Al observar los resultados de la mano derecha, los participantes diestros tenían «preferencias izquierdas» y los participantes no diestros tenían «preferencias correctas».
La dirección de lectura parece impactar en cómo las personas de todas las edades ven las obras de arte. Utilizando participantes de jardín de infantes a edad universitaria, los investigadores probaron la preferencia estética de los espectadores al comparar una obra de arte original con su imagen especular.
Las pinturas originales siguieron la convención según la cual los espectadores «leían» pinturas de izquierda a derecha; por lo tanto, los patrones de luz dirigieron al público a ver la pintura de la misma manera. Los resultados indicaron que los participantes prefirieron las pinturas originales, muy probablemente debido al estilo occidental de ver pinturas de izquierda a derecha.
Dirección de iluminación
La dirección de la iluminación colocada en una pintura también parece tener un efecto en la preferencia estética. El sesgo de la luz izquierda es la tendencia de los espectadores a preferir obras de arte iluminadas con luces que provienen del lado izquierdo de la pintura. Los investigadores predijeron que los participantes preferirían obras de arte iluminadas desde el lado izquierdo y, cuando se les diera la opción, optarían por colocar la iluminación en el lado superior izquierdo de una obra de arte.
Los participantes encontraron que las pinturas con iluminación a la izquierda son más agradables estéticamente que cuando eran más claras en el lado derecho y cuando se les daba la oportunidad de crear luz en una pintura ya existente.
Sesgo de mejilla izquierda y derecha
El sesgo en la mejilla izquierda ocurre cuando los espectadores prefieren retratos con el sujeto mostrando su mejilla izquierda, mientras que aquellos que tienen un sesgo en la mejilla derecha prefieren retratos que muestren la mejilla derecha. Los estudios han encontrado resultados mixtos sobre el sesgo de la mejilla izquierda y el sesgo de la mejilla derecha.
A los participantes masculinos y femeninos se les mostraron retratos masculinos y femeninos, cada uno con el mismo número de posiciones en las mejillas izquierda o derecha. A los participantes se les mostró cada retrato en su orientación original y en su orientación inversa y se les preguntó qué retrato preferían más.
Los resultados indicaron que la mayoría de los participantes eligieron retratos que mostraban la mejilla derecha del sujeto sobre la izquierda. Otro estudio exploró qué orientaciones de presentación transmitían ciertos mensajes. Científicos en el siglo 18más comúnmente mostraban un sesgo en la mejilla derecha, y fueron calificados como «más científicos».
Según los investigadores, mostrar la mejilla derecha oculta la emoción, mientras que la mejilla izquierda la expresa. El cambio del sesgo de la mejilla de derecha a izquierda después del siglo XVIII puede representar características faciales más personales o abiertas.
Complejidad
La complejidad se puede definir literalmente como «compuesta por una gran cantidad de partes que tienen muchas interacciones». Esta definición se ha aplicado a muchas materias, como el arte, la música, la danza y la literatura. En la investigación estética, la complejidad se ha dividido en tres dimensiones que explican la interacción entre la cantidad de elementos, las diferencias en los elementos y los patrones en su disposición.
Además, esta característica en estética consiste en un amplio espectro, que va desde baja complejidad hasta alta complejidad. Los estudios clave han encontrado a través de la respuesta de la piel galvánica que las obras de arte más complejas producen una mayor excitación fisiológica y calificaciones hedónicas más altas,lo cual es consistente con otros hallazgos que afirman que el gusto estético aumenta con la complejidad.
Lo más importante, varios estudios han encontrado que existe una relación en forma de U entre la preferencia estética y la complejidad.
Medición de la complejidad
En general, la complejidad es algo que tiene muchas partes en una intrincada progresión. Algunos investigadores dividen la complejidad en dos subpartes diferentes: complejidad objetiva y complejidad percibida. La complejidad objetiva es cualquier parte del arte que pueda ser manipulada. Para el arte visual que puede ser el tamaño de las formas, la cantidad de patrones o la cantidad de colores utilizados.
Para arte acústico que podría incluir duración, volumen, número de armonías diferentes, número de cambios en la actividad rítmica y tasa de actividad rítmica.Otra forma de complejidad es la complejidad percibida, o complejidad subjetiva. De esta forma, cada persona individual califica un objeto según la complejidad que percibe.
Por lo tanto, la complejidad subjetiva puede representar nuestra visión de la complejidad con mayor precisión, sin embargo, la medida puede cambiar de persona a persona.
Una forma de utilizar la tecnología informática para calificar la complejidad es mediante el uso de la inteligencia informática al calificar una imagen. En este formato, la cantidad de inteligencia informática utilizada se evalúa al crear una imagen digital. La inteligencia informática se evalúa registrando las fórmulas matemáticas utilizadas para crear las imágenes.
La participación humana, agregando o quitando aspectos de la imagen, también podría agregar o quitar la complejidad de la imagen.
Una forma de medir la complejidad es manipular las ilustraciones originales para contener varios niveles de densidad. Este proceso se realiza restando y agregando píxeles para cambiar la densidad de las pinturas en blanco y negro. Esta técnica permitió a los investigadores utilizar obras de arte auténticas, en lugar de crear versiones artificiales de obras de arte, para controlar los estímulos.
A otros les resulta mejor medir la complejidad en función del número de partes que tiene una obra de arte. Más aspectos del arte, como más colores, detalles, formas, objetos, sonidos, melodías y similares, crean una obra de arte más compleja. Sin embargo, existe una investigación limitada sobre la comparación entre la complejidad basada en partes y la percepción humana de la complejidad, por lo que no está claro si las personas perciben imágenes con más partes como más complejas.
Hipótesis inversa en forma de U
La hipótesis de la forma de U invertida sugiere que las respuestas estéticas en relación con la complejidad exhibirán una distribución de forma invertida. En otras palabras, las calificaciones más bajas en las respuestas estéticas se correlacionan con niveles altos y bajos de complejidad, lo que muestra una «evitación de extremos«.
Además, el nivel más alto de respuesta estética se produce en el nivel medio de complejidad. Estudios anteriores han confirmado la hipótesis de la forma de U (ver imagen de gráfico U invertida). Por ejemplo, en un estudio de las calificaciones de los estudiantes universitarios sobre el gusto y la complejidad de la música pop contemporánea, se informó una relación invertida en forma de U entre el gusto y la complejidad.
Investigaciones anteriores sugieren que esta tendencia de complejidad también podría asociarse con la capacidad de comprensión, en la cual los observadores prefieren obras de arte que no son demasiado fáciles o demasiado difíciles de comprender. Otra investigación confirma y no confirma las predicciones que sugieren que las características individuales, como la experiencia artística y la formación, pueden producir un cambio en la distribución de la forma de U invertida.
Aspectos del arte
Arte visual
Una tendencia general muestra que la relación entre la complejidad de la imagen y las clasificaciones de agradable forma un gráfico de forma de U invertida (consulte la sección Experiencia para conocer las excepciones). Esto significa que a la gente le gusta cada vez más el arte, ya que va de lo más simple a lo más complejo, hasta un punto máximo, cuando las calificaciones de placeres vuelven a caer.
Un estudio reciente también encontró que tendemos a calificar el entorno natural y las imágenes de paisajes como más complejas, por lo tanto, nos gustan más que las imágenes abstractas que calificamos como menos complejas.
Música
La música muestra tendencias similares en complejidad frente a calificaciones de preferencia al igual que el arte visual. Cuando se compara la música popular, por el período de tiempo y las clasificaciones de complejidad percibida, aparece la relación conocida de forma de U invertida, lo que demuestra que, en general, nos gusta más la música moderadamente compleja.
A medida que la selección de música se vuelve más o menos compleja, nuestra preferencia por esa música disminuye. Sin embargo, las personas que tienen más experiencia y capacitación en música popular prefieren música un poco más compleja. El gráfico U invertido se desplaza hacia la derecha para las personas con un fondo musical más fuerte.
Se puede ver un patrón similar para la música de jazz y bluegrass.Aquellos con entrenamiento musical limitado en jazz y bluegrass demuestran la típica U invertida cuando observan la complejidad y las preferencias, sin embargo, los expertos en esos campos no demuestran el mismo patrón. A diferencia de los expertos en música popular, los expertos en jazz y bluegrass no mostraron una relación clara entre complejidad y placer.
A los expertos en esos dos géneros musicales les gusta lo que les gusta, sin tener una fórmula para describir su comportamiento. Dado que los diferentes estilos de música tienen diferentes efectos sobre la preferencia por los expertos, se necesitarían más estudios para sacar conclusiones sobre la complejidad y las calificaciones de preferencia para otros estilos.
Baile
Los estudios psicológicos han demostrado que los gustos hedónicos de los espectáculos de danza pueden verse influenciados por la complejidad. Un experimento utilizó doce coreografías de baile que consisten en tres niveles de complejidad realizados en cuatro tempos diferentes. La complejidad en las secuencias de baile se creó variando la secuencia de seis patrones de movimiento (es decir, círculo en sentido horario, círculo en sentido antihorario y etapa de aproximación).
En general, este estudio mostró que los observadores prefieren coreografías con secuencias de baile complejas y tempos más rápidos.
Diferencias personales
Se ha encontrado que las diferencias de personalidad y las diferencias demográficas también pueden conducir a diferentes preferencias artísticas. Un estudio probó las preferencias de las personas en varias piezas de arte, teniendo en cuenta también sus preferencias personales. El estudio encontró que existen diferencias de género en la preferencia de arte.
Las mujeres generalmente prefieren pinturas alegres, coloridas y simples, mientras que los hombres generalmente prefieren pinturas geométricas, tristes y complejas. También existe una diferencia de edad en las preferencias de complejidad, donde la preferencia por pinturas complejas aumenta a medida que aumenta la edad.
Ciertos rasgos de personalidad también pueden predecir la relación entre la complejidad del arte y la preferencia.En un estudio se encontró que a las personas que obtuvieron puntajes altos en conciencia les gustaba menos la pintura compleja que a las personas que obtuvieron puntajes bajos en conciencia.
Esto coincide con la idea de que a las personas concienzudas no les gusta la incertidumbre y disfrutan del control, por lo que no les gusta la obra de arte que pueda amenazar tales sentimientos. Por otro lado, a las personas que obtuvieron un puntaje alto en la apertura para experimentar les gustaron más las obras de arte complejas que aquellos que no obtuvieron un puntaje alto en la apertura a la experiencia.
Las diferencias individuales son mejores predictores de la preferencia del arte complejo que el arte simple, donde los rasgos de personalidad claros no predicen la preferencia por el arte simple. Aunque el nivel educativo no tenía una relación directa con la complejidad, los niveles educativos más altos condujeron a más visitas al museo, lo que a su vez condujo a una mayor apreciación del arte complejo.
Esto muestra que una mayor exposición al arte complejo conduce a una mayor preferencia, donde de hecho la familiaridad causa un mayor gusto.
Simetría
La simetría y la belleza tienen un fuerte vínculo biológico que influye en las preferencias estéticas. Se ha demostrado que los humanos tienden a preferir el arte que contiene simetría, considerándolo más hermoso. Además, la simetría se correlaciona directamente con la comprensión de una cara o una obra de arte como hermosa.
Cuanto mayor es la simetría dentro del trabajo o la cara, en general, más bella parece ser. La investigación sobre la preferencia estética por las formas geométricas y el procesamiento fluido de la simetría arroja luz sobre el papel que desempeña la simetría en el juicio y la experiencia estética general.
Los humanos tienden a ver y tienen una preferencia visual por la simetría, una cualidad identificada que produce una experiencia estética positiva que utiliza un factor ascendente automático. Se especula que este factor ascendente se basa en la experiencia de aprendizaje y el procesamiento visual en el cerebro, lo que sugiere una base biológica.
Muchos estudios se han aventurado a explicar esta preferencia innata por la simetría con métodos que incluyen la Prueba de Asociación Implícita (IAT). La investigación sugiere que podemos preferir la simetría porque es fácil de procesar; Por lo tanto, tenemos una mayor fluidez perceptual cuando las obras son simétricas.La investigación de fluidez se basa en evidencia de humanos y animales que apuntan a la importancia de la simetría independientemente de la necesidad biológica.
Esta investigación destaca la eficiencia con la que las computadoras reconocen y procesan objetos simétricos en relación con modelos no simétricos. Ha habido investigaciones sobre las características objetivas que contienen los estímulos que pueden afectar la fluidez y, por lo tanto, las preferencias.
Factores como la cantidad de información dada, el grado de simetría y el contraste figura-fondo son solo algunos de los que se enumeran en la literatura. Esta preferencia por la simetría ha llevado a cuestionar cómo la fluidez afecta nuestras preferencias implícitas mediante el uso de la prueba de asociación implícita.
Los resultados sugieren que la fluidez perceptiva es un factor que provoca respuestas implícitas, como se muestra con los resultados de la Prueba de asociación implícita. La investigación se ha ramificado desde el estudio del placer estético y la simetría en un nivel explícito pero también implícito.
De hecho, la investigación intenta integrar la preparación (psicología), las influencias culturales y los diferentes tipos de estímulos que pueden provocar una preferencia estética.
La investigación adicional que investiga la fluidez perceptiva ha encontrado un sesgo de género hacia estímulos neutros. Los estudios relacionados con la preferencia de simetría generalizada a los objetos del mundo real versus los abstractos nos permiten examinar más a fondo la posible influencia que el significado puede tener en la preferencia por un estímulo dado.
Para determinar si el significado importaba para un estímulo dado, se les pidió a los participantes que vieran pares de objetos y tomaran una decisión de elección forzada, evaluando su preferencia. Los resultados sugieren que existía una preferencia general por las características simétricas de los objetos visuales.
Además, existía un efecto principal para la preferencia de género en los hombres que indicaba constantemente una preferencia por la simetría en objetos abstractos y reales.Este hallazgo no trascendió en las mujeres participantes. Se necesitan realizar más estudios para investigar los factores que influyen en las preferencias femeninas por los estímulos visuales, así como por qué los hombres mostraron una preferencia por la simetría en los objetos abstractos y del mundo real.
El arte que contiene formas geométricas, como se ve en gran parte del arte islámico, tiene una simetría inherente a la obra. Esta simetría se puede correlacionar con el atractivo asociado con la forma de arte, ya que existe una correlación entre la preferencia humana y la simetría. En estudios sobre el atractivo facial, se encuentra que la simetría es un factor significativo, así como la forma y la coloración para determinar el atractivo.
La hipótesis de los genes buenos para la preferencia de simetría argumenta que la simetría es un indicador biológico del desarrollo estable, la calidad de la pareja y la aptitud física y, por lo tanto, explica por qué elegimos rasgos simétricos en nuestros compañeros. La hipótesis de los genes buenosSin embargo, no explica por qué este fenómeno se observa en nuestras preferencias por el arte de la decoración.
Otra hipótesis propuesta es la hipótesis del fenotipo extendido que argumenta que el arte de la decoración no es irrelevante para el compañero, sino más bien un reflejo de la aptitud del artista, ya que las formas simétricas son difíciles de producir. Estas hipótesis y hallazgos proporcionan evidencia de sesgos evolutivos en la preferencia por la simetría y como refuerzo para los sesgos culturales.
La investigación sugiere que la preferencia simétrica debido a su base evolutiva, base biológica y refuerzo cultural, podría ser replicable a nivel intercultural.
Balance compositivo
El equilibrio compositivo se refiere a la colocación de varios elementos en una obra de arte en relación entre sí, a través de su organización y posicionamiento, y en función de sus pesos relativos. Los elementos pueden incluir el tamaño, la forma, el color y la disposición de los objetos o formas. Cuando está equilibrada, una composición parece estable y visualmente correcta.
Así como la simetría se relaciona con la preferencia estética y refleja un sentido intuitivo de cómo deberían aparecer las cosas, el equilibrio general de una composición dada contribuye a los juicios de la obra.
La colocación de incluso un solo objeto, como un tazón o una lámpara, en una composición contribuye a las preferencias de esa composición. Cuando los participantes vieron una variedad de objetos, cuyas posiciones verticales en un plano horizontal fueron manipuladas, los participantes prefirieron objetos que eran más bajos o más altos en el plano de visión, correspondiente a la ubicación normal de la imagen (por ejemplo, una bombilla debería ser más alta y un tazón más bajo).
Los manifiestos de sesgo central pueden explicar la preferencia por la parte más importante o funcional de un objeto para ocupar el centro del marco, lo que sugiere un sesgo para una «corrección» de la visualización de objetos.
También somos sensibles al equilibrio en obras de arte abstractas y representativas. Al ver variaciones en obras de arte originales, como la manipulación de las áreas de color rojo, azul y amarillo en varias pinturas de Piet Mondrian, los participantes entrenados en diseño y no entrenados identificaron con éxito los centros de equilibrio de cada variación.
Ambos grupos fueron sensibles a la distribución de color, peso y área ocupada. La experiencia (ver Arte y experiencia ) no parece tener un gran efecto en la percepción del equilibrio, aunque solo los participantes capacitados detectaron la variación entre el trabajo original y las versiones manipuladas.
Tanto los expertos como los novatos tienden a juzgar los trabajos abstractos originales como más equilibrados que las variaciones experimentales, sin identificar necesariamente el original. Parece haber un sentido intuitivo para expertos y no expertos por igual de que una pintura representativa dada es la original.
Los participantes tienden a considerar las obras de arte originales como originales frente a las obras manipuladas que habían sido alteradas sutil y obviamente con respecto al equilibrio de la pintura.Esto sugiere un conocimiento innato, quizás no influenciado por la experiencia artística, de la corrección de una pintura en su equilibrio.
Tanto los maestros como los principiantes son igualmente susceptibles a los cambios en el equilibrio que afectan la preferencia por las pinturas, lo que puede sugerir que los dos artistas tienen un sentido intuitivo de equilibrio en el arte.
Arte y experiencia
Los psicólogos han descubierto que el nivel de experiencia de una persona en el arte influye en cómo percibe, analiza e interactúa con el arte. Para evaluar psicológicamente, las escalas se han diseñado para evaluar la experiencia en lugar de solo años de experiencia al evaluar el reconocimiento y el conocimiento de los artistas en una serie de campos, inteligencia fluida y personalidad con el inventario del factor Big Five.
Estos descubrieron que las personas con alta experiencia en el arte no eran significativamente más inteligentes, ni tenían una especialización universitaria en las artes. En cambio, la apertura a la experiencia, uno de los cinco factores principales, predijo la experiencia de alguien en el arte.
Preferencias
En un estudio, estudiantes experimentados de arte y estudiantes ingenuos mostraron pares de pinturas de arte populares de revistas y pinturas de alto arte, de museos. Los investigadores encontraron una interacción significativa entre experiencia y preferencia de arte. Los participantes ingenuos prefirieron el arte popular sobre el arte elevado, mientras que los participantes expertos prefirieron el arte popular sobre el arte popular.
También encontraron que los participantes ingenuos calificaron el arte popular como más agradable y cálido y las pinturas de alto arte como más desagradables y frías, mientras que los expertos mostraron el patrón opuesto. Los expertos ven el arte como una experiencia desafiante, los participantes ingenuos ven el arte más por placer.Se han encontrado preferencias sistemáticas para ver retratos (perfiles 3/4 izquierdos o derechos) en los medios, artistas, estilos, género / sexo y época histórica.
Se han propuesto tendencias experimentales y predisposiciones innatas para dar cuenta de las preferencias de pose. Otros estudios que controlan variables como el sexo y la mano, así como la activación hemisférica en curso, han demostrado que estas preferencias pueden estudiarse en varias dimensiones de constructo.
Movimientos oculares
Para investigar si los expertos y los no expertos experimentan el arte de manera diferente, incluso en sus movimientos oculares, los investigadores usaron un dispositivo de seguimiento ocular para ver si hay alguna diferencia en la forma en que ven las obras de arte. Después de ver cada trabajo, los participantes calificaron su gusto y sus reacciones emocionales a los trabajos.
Algunos trabajos se presentaron con información auditiva sobre ese trabajo, la mitad de los cuales eran hechos neutrales y la otra mitad eran declaraciones emocionales sobre el trabajo. Encontraron que los no expertos calificaron los trabajos menos abstractos más preferiblemente, mientras que el nivel de abstracción no era importante para los expertos.En ambos grupos, las rutas oculares mostraron más fijaciones dentro de un trabajo más abstracto, pero cada fijación fue más corta en el tiempo que aquellas dentro de un trabajo menos abstracto.
La experiencia influye en cómo pensaban los participantes acerca de las obras, pero no influía en absoluto en cómo las veían físicamente.
En otro estudio que utilizó patrones de movimiento ocular para investigar cómo ven los expertos el arte, a los participantes se les mostraron obras de arte realistas y abstractas en dos condiciones: una que les pedía que escanearan libremente las obras, y la otra que les pedía que las memorizaran. Los movimientos oculares de los participantes fueron rastreados mientras miraban las imágenes o trataban de memorizarlas, y se grababa su recuerdo de las imágenes memorizadas.
Los investigadores no encontraron diferencias en la frecuencia o tiempo de fijación entre los tipos de imágenes para expertos y no expertos. Sin embargo, a lo largo de las sesiones, los no expertos tuvieron más fijaciones cortas mientras escaneaban las obras libremente, y menos fijaciones largas mientras intentaban memorizar;
Los expertos siguieron el patrón opuesto. No hubo diferencias significativas en el recuerdo de las imágenes entre los grupos, excepto que los expertos recordaron mejor las imágenes abstractas que los no expertos, y más detalles pictóricos. Estos resultados muestran que las personas con experiencia en artes ven imágenes repetidas menos que los no expertos, y pueden recordar más detalles sobre las imágenes que han visto anteriormente.
Niveles de abstracción
Las reacciones estéticas al arte se pueden medir en varios criterios diferentes, como la excitación, el gusto, el contenido emocional y la comprensión. El arte puede ser calificado en sus niveles de abstracción o lugar en el tiempo. Un experimento que examinó cómo estos factores se combinan para crear una apreciación estética incluyó expertos y no expertos que calificaron su valencia emocional, excitación, gusto y comprensión de obras de arte abstractas, modernas y clásicas.
Los expertos demostraron un mayor grado de apreciación con calificaciones más altas en todas las escalas, excepto por la excitación con obras clásicas. Las obras de arte clásicas arrojaron las calificaciones más altas de comprensión, y el arte abstracto recibió los valores más bajos.Sin embargo, la valencia emocional fue más alta para el arte clásico y moderno, mientras que la excitación fue más alta para las obras abstractas.
Aunque los expertos calificaron los trabajos en general más alto, cada factor influyó más en las calificaciones de los no expertos, creando una mayor flexibilidad en sus calificaciones que las de los expertos.
Otro experimento examinó el efecto del color y el grado de realismo en la percepción del arte por parte de los participantes con diferentes niveles de experiencia. Grupos de expertos, expertos relativos y no expertos vieron estímulos que consisten en versiones generadas de pinturas figurativas que varían en color y abstracción.
Los participantes calificaron los estímulos según su preferencia general, abstracción, propiedades de color, equilibrio y complejidad. Las imágenes figurativas se prefirieron a las imágenes abstractas con una experiencia cada vez menor y las imágenes en color se prefirieron a las imágenes en blanco y negro.
Sin embargo, los expertos eran más propensos a preferir las imágenes en blanco y negro que a las de color que los no expertos y los relativos.Esto sugiere que los expertos pueden ver el arte con modelos cognitivos, mientras que los no expertos ven el arte en busca de familiaridad y placer.
Otros factores
Un experimento que estudió el efecto de la experiencia en la percepción e interpretación del arte hizo que los estudiantes de historia del arte y psicología vieran diez pinturas de arte contemporáneo de diversos estilos. Luego, los agruparon en las etiquetas que consideraban apropiadas. Los datos se codificaron para clasificar las categorizaciones y se compararon entre expertos y no expertos.
Los expertos dividieron sus clasificaciones en más grupos que los no expertos y los clasificaron por estilo, mientras que los no expertos dependían de experiencias y sentimientos personales.
Este procesamiento relacionado con el estilo, que conduce al dominio de la obra de arte, es importante para ver el arte abstracto moderno y se ve afectado por la experiencia. Los participantes vieron y calificaron su gusto en tres conjuntos de pinturas, la mitad de las cuales incluían información sobre el estilo de la pintura, como la técnica artística, las características estilísticas y los materiales utilizados.
Al día siguiente, los participantes vieron nuevas pinturas, vieron una pantalla en blanco y estimaron cuánto tiempo habían visto las pinturas. Los participantes también completaron cuestionarios que indicaban interés en el arte, un cuestionario que indicaba experiencia en arte y el cuestionario sobre el estado de ánimo «Programa de afecto positivo y negativo «.Los efectos de la información relacionada con el estilo dependían de la experiencia artística, donde a los no expertos les gustaban más las pinturas después de recibir información sobre las pinturas y a los expertos les gustaban menos las pinturas después de recibir información relacionada con el estilo.
La información de estilo explícita provocó cambios de humor en el gusto, donde al grupo de Afecto Positivo alto le gustaban más las pinturas con información y al grupo de Afecto Positivo bajo le gustaban menos las pinturas con información. Sin embargo, la experiencia en arte no afectó las estimaciones del tiempo de presentación.
Información del título
Los títulos no funcionan simplemente como un medio de identificación, sino también como guías para el agradable proceso de interpretación y comprensión de las obras de arte.Cambiar la información del título sobre una pintura no parece afectar el movimiento de los ojos cuando se mira o cómo los sujetos interpretan su organización espacial.
Sin embargo, los títulos influyen en el significado percibido de una pintura. En un estudio, los participantes recibieron instrucciones de describir pinturas mientras usaban punteros de linterna para indicar dónde estaban mirando. Los participantes repitieron esta tarea para el mismo conjunto de pinturas en dos sesiones.
Durante la segunda sesión, algunas de las pinturas fueron presentadas con nuevos títulos para evaluar la consistencia en sus descripciones. Como era de esperar, los sujetos no cambiaron dónde se enfocaban sus ojos, pero sí cambiaron sus descripciones al hacerlos más consistentes con un título dado.
Aunque las descripciones pueden fluctuar, la apreciación estética del arte abstracto y representativo se mantiene estable, independientemente de la información del título. Esto sugiere que las relaciones palabra / imagen pueden promover diferentes modos de entender el arte, pero no explican cuánto nos gusta una pieza en particular.
Un famoso ejemplo de confusión de títulos que alteró la relación título / imagen de una obra, y por lo tanto su significado ostensivo, es una pintura titulada La trahison des images ( La traición de las imágenes ), de René Magritte, que a menudo se conoce como «Esto no es un tubo». Contiene una imagen de una tubería, así como la leyenda «Esto no es una tubería», a pesar de que no estaba destinado a ser su título.
En este caso, dos interpretaciones diferentes de las intenciones de los artistas y el contenido dependen del título que se elija.
En general, los títulos aleatorios, además del original, disminuyen las calificaciones de comprensión, pero no necesariamente alteran la importancia de la experiencia estética. Los títulos elaborativos, a diferencia de los descriptivos, son particularmente importantes para ayudar a los espectadores a asignar significado al arte abstracto.
Los títulos descriptivos aumentan la comprensión del arte abstracto solo cuando a los espectadores se les presenta una imagen durante un período de tiempo muy corto (menos de 10 segundos). Debido a que el arte puede tener una variedad de significados de múltiples niveles, los títulos y otra información adicional pueden agregarle a su significado y, en consecuencia, su valor hedónico.
Aplicaciones
Los descubrimientos de la psicología del arte se pueden aplicar a varios otros campos de estudio. El proceso creativo del arte produce una gran comprensión sobre la mente. Se puede obtener información sobre ética laboral, motivación e inspiración del proceso de trabajo de un artista. Estos aspectos generales pueden transferirse a otras áreas de la vida.
La ética del trabajo en el arte, especialmente, puede tener un impacto significativo en la productividad general de una persona en otros lugares. Existe un potencial en cualquier tipo de trabajo que fomente el estado de ánimo estético. Además, el arte desafía cualquier límite definido. Lo mismo se aplica a cualquier trabajo de este tipo que tenga experiencia estética.
La aplicación de la psicología del arte en la educación puede mejorar la alfabetización visual.
Críticas
La psicología del arte puede ser un campo criticado por numerosas razones. El arte no se considera una ciencia, por lo que la investigación puede ser examinada por su precisión y relatividad. También hay muchas críticas sobre la investigación artística como psicología porque puede considerarse subjetiva más que objetiva.
Encarna las emociones del artista de manera observable, y el público interpreta la obra de arte de múltiples maneras. Los objetivos de un artista difieren dramáticamente de los objetivos de un científico. El científico quiere proponer un resultado a un problema, mientras que un artista quiere dar múltiples interpretaciones de un objeto.
Las inspiraciones de un artista se alimentan a través de sus experiencias, percepciones y perspectivas de los movimientos artísticos mundiales, como el expresionismo, conocidos por la liberación de emociones, tensiones, presiones, etc. y fuerzas espirituales internas que se transcriben a condiciones externas.
El arte proviene de uno mismo y se expresa en el mundo externo para el entretenimiento de los demás. Todos pueden apreciar una obra de arte porque le habla a cada individuo de maneras únicas; ahí radica la crítica de la subjetividad.
Además, la experiencia estética del arte es muy criticada porque no puede determinarse científicamente. Es completamente subjetivo y se basa en el sesgo de un individuo. No se puede medir fundamentalmente en formas tangibles. Por el contrario, las experiencias estéticas pueden considerarse «automotivadoras» y «automáticas».
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