Autenticidad en el arte
La autenticidad en el arte son las diferentes formas en que una obra de arte o una representación artística pueden considerarse auténticas. Denis Dutton distingue entre autenticidad nominal y autenticidad expresiva. El primero se refiere a la identificación correcta del autor de una obra de arte, a cuán estrechamente una interpretación de una obra de teatro o pieza musical se ajusta a la intención del autor, o cuán estrechamente se ajusta una obra de arte a una tradición artística.
El segundo sentido se refiere a cuánto posee la obra autoridad original o inherente, cuánta sinceridad, autenticidad de expresión y pasión moral pone el artista o artista en la obra.
Una preocupación bastante diferente es la autenticidad de la experiencia, que puede ser imposible de lograr. Un visitante moderno a un museo no solo puede ver un objeto en un contexto muy diferente del que pretendía el artista, sino que puede ser incapaz de comprender aspectos importantes de la obra.
La experiencia auténtica puede ser imposible de recuperar.
La autenticidad es un requisito para la inscripción en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Según el Documento de Nara sobre Autenticidad, se puede expresar a través de ‘forma y diseño; materiales y sustancia; uso y función; tradiciones y técnicas; ubicación y entorno; espíritu y sentimiento;
Y otros factores internos y externos «.
Contenido
Autenticidad de procedencia
La autenticidad de procedencia significa que el origen o la autoría de una obra de arte se ha identificado correctamente. Como Lionel Trilling señala en su libro de 1972 Sinceridad y autenticidad, la cuestión de la autenticidad de la procedencia ha adquirido una dimensión profundamente moral. Independientemente de la apariencia del objeto o la calidad de la mano de obra, es muy importante saber si un jarrón es un jarrón Ming genuino o simplemente una falsificación inteligente.
Este intenso interés en la autenticidad es relativamente reciente y se limita en gran medida al mundo occidental. En el período medieval, y en países como la Tailandia moderna, había o hay poco interés en la identidad del artista.
El caso de Han van Meegeren es bien conocido. Después de no tener éxito como artista por derecho propio, recurrió a la creación de pinturas falsas de Vermeer. Estos fueron aceptados como genuinos por expertos y aclamados como obras maestras. Después de ser arrestado por vender tesoros nacionales a los alemanes, causó sensación cuando demostró públicamente que él era el artista.
Para protegerse contra falsificaciones como esta, se puede usar un certificado de autenticidad para demostrar que una obra de arte es auténtica, pero existe un mercado considerable de certificados falsos. Además, se puede utilizar una combinación de evidencia histórica, conservacional y técnica del arte para autenticar una obra de arte.La importancia financiera de la autenticidad puede sesgar a los coleccionistas a la adquisición de obras de arte recientes donde la procedencia se pueda probar más fácilmente, tal vez incluso mediante una declaración del artista.
Para trabajos más antiguos, se puede implementar una gama cada vez más sofisticada de técnicas forenses para establecer la autenticidad de la procedencia.
El filósofo Nelson Goodman discute extensamente la pregunta planteada por Aline B. Saarinen : «Si un falso es tan experto que incluso después del examen más completo y confiable, su autenticidad aún está abierta a la duda, ¿es o no un trabajo tan satisfactorio? de arte como si fuera inequívocamente genuino? Goodman concluye que la pregunta es académica, ya que debe haber alguna forma de distinguir una falsificación del original, y una vez que la falsificación es conocida por lo que es, ese conocimiento altera la percepción del valor.
Sin embargo, Arthur Koestler en The Act of Creationresponde que si una falsificación se ajusta al cuerpo de trabajo de un artista y produce el mismo tipo de placer estético que otras obras de ese artista, no hay razón para excluirla de un museo.
La cuestión del valor de una falsificación puede ser irrelevante para un curador, ya que solo se preocupan por la procedencia de la obra y no por su mérito artístico. Incluso para el curador, en muchos casos la procedencia es una cuestión de probabilidades más que una certeza: la prueba absoluta no es posible.
Pero una vez que una falsificación ha sido expuesta, no importa cuán altamente elogiado sea el trabajo cuando se pensó que era «auténtico», rara vez hay interés en evaluar el trabajo por mérito propio.
La reproducción es inherente a algunas formas de arte. En la Europa medieval, un artista podría crear un dibujo que fue utilizado por otro artesano para crear un bloque de grabado en madera. El dibujo generalmente se destruía en el proceso de corte de bloques, y el bloque se tiraba cuando se desgastaba.
Las copias impresas del bloque son todo lo que queda del trabajo. En un ensayo de 1936, Walter Benjamin habló sobre los nuevos medios de fotografía y cine, en los que la obra de arte se puede reproducir muchas veces sin que ninguna versión sea la auténtica «original». Relacionó este cambio de objetos auténticos a medios de comunicación ampliamente accesibles con una transformación en la función del arte del ritual a la política.
El arte moderno puede plantear nuevos problemas de autenticidad de procedencia. Por ejemplo, el artista Duane Hanson ordenó a los conservadores de su escultura Sunbather de 1971 que se sintieran libres de reemplazar elementos como el gorro de baño o el traje de baño si se desvanecían. Como señala Julian H.
Scaff, la computadora e Internet confunden aún más el tema de la autenticidad de la procedencia, ya que una obra de arte digital puede existir en miles o millones de versiones idénticas, y en variantes donde no hay forma de determinar la versión original o incluso el autor.
Autenticidad cultural
La autenticidad de la procedencia tiene que ver con identificar a la persona que realizó el trabajo, o al menos precisar el lugar y la hora en que se realizó el trabajo lo más cerca posible. La autenticidad cultural, o la autenticidad del estilo o la tradición, se refiere a si una obra es una expresión genuina de una tradición artística, incluso cuando el autor puede ser anónimo.
El interés en esta forma de autenticidad puede estar asociado con un sentido romántico del valor de la tradición pura y no adulterada, a menudo vinculada a creencias nacionalistas y posiblemente racistas.
Una obra de arte puede considerarse un ejemplo auténtico de una cultura o género tradicional cuando se ajusta al estilo, los materiales, el proceso de creación y otros atributos esenciales de ese género. Se cree que muchas tradiciones son «propiedad» de un grupo étnico, y el trabajo en ese género solo se considera auténtico si es creado por un miembro de ese grupo.
Por lo tanto, el arte inuit solo puede considerarse auténtico si es creado por un inuit. Esto puede ayudar a proteger a los creadores de una tradición artística de la apropiación cultural, pero hay un aspecto racista en la opinión según lo descrito por Joel Rudinow en su ensayo Raza, etnicidad, autenticidad expresiva:
Pueden los blancos cantar el blues?
El mercado del » arte primitivo » se desarrolló en el mundo occidental hacia fines del siglo XIX cuando los exploradores o colonialistas entraron en contacto con grupos culturales anteriormente desconocidos en África, Asia y el Pacífico. Estas personas aprendieron rápidamente cómo incorporar nuevos materiales suministrados por los comerciantes en su arte, como telas y cuentas de vidrio, pero descubrieron que no podían vender estos objetos «no auténticos».
Sin embargo, aprendieron a fabricar obras a partir de materiales locales que se considerarían auténticos para la venta a los occidentales. Este proceso de creación de arte que los compradores occidentales considerarán auténtico continúa hasta nuestros días. Los objetos pueden diseñarse o modificarse para dar la impresión de tener atributos y procedencia populares, incluidos usos religiosos o rituales, antigüedad y asociación con la realeza.
Del mismo modo, en la década de 1940, los artistas profesionales haitianos comenzaron a crear imitaciones de imágenes proporcionadas por empresarios extranjeros. Las imágenes representaban la visión de los extranjeros de la esencia del arte vudú haitiano. Las obras haitianas fueron luego reclamadas como auténticas.
Para distinguir de los objetos crudos hechos para el comercio turístico, muchos coleccionistas consideran que una obra es solo un ejemplo auténtico de un género tradicional si cumple con ciertos estándares de calidad y se hizo para el propósito original. Dutton da el ejemplo de los Igorot del norte de Luzón que durante mucho tiempo han creado figuritas ( bulul ) para su uso en ceremonias tradicionales, pero hoy las producen principalmente para el comercio turístico.
Una familia Igorot puede comprar un bulul tallado en bruto en una cabina de turismo y usarlo para ceremonias tradicionales, dando así autenticidad al trabajo que, de lo contrario, tal vez no estaría presente. Aunque los coleccionistas otorgan mayor valor a las máscaras o esculturas «tribales» que se han utilizado en un ritual activo, puede ser imposible probar si este es el caso.
Incluso si un video muestra la máscara que se usa en un baile ritual, el baile puede haber sido organizado para turistas. Sin embargo, si se prueba la procedencia de la máscara, si la máscara fue hecha por un miembro de la sociedad utilizando diseños y técnicas tradicionales, es presumiblemente un ejemplo auténtico del estilo o la tradición.
No siempre está claro qué constituye un estilo. Por ejemplo, la producción de esculturas de piedra de Zimbabwe es relativamente reciente y data de la década de 1950. No se basa en ninguna tradición anterior. Sin embargo, la escultura juega un papel importante en el establecimiento de la existencia de una cultura única de Zimbabwe, y el gobierno de Zimbabwe enfatiza fuertemente la autenticidad de este estilo a pesar de la dificultad de definir sus características.
Las pinturas de arena navajo plantean un problema diferente. Las pinturas tradicionales deben destruirse al completar el ritual en el que se usan. Sin embargo, los artistas navajos crean pinturas de arena a la venta con diseños ligeramente modificados. ¿Pueden considerarse estos cuadros ejemplos auténticos del arte navajo?
Las tradiciones cambian. En una exploración de la evolución del arte del pueblo granate de la Guayana Francesa, Sally Price muestra que los estilos contemporáneos se han desarrollado a través de una compleja interacción entre artistas y compradores. Los cimarrones tienen una larga tradición de obras de arte, principalmente en forma de decoración de objetos cotidianos como paletas o persianas.
Este arte tenía un propósito puramente estético, sin significado simbólico. Sin embargo, los coleccionistas europeos necesitaban asignar el simbolismo al «arte nativo». Con el tiempo, los artistas cimarrones han llegado a aceptar el semiótico europeo.vocabulario y asignar simbolismo a su trabajo, que los artistas más jóvenes pueden creer que se basa en tradiciones ancestrales.
Los artistas también se han mudado a nuevos medios y nuevos diseños. Su arte aún puede considerarse ejemplos auténticos del arte granate, pero la forma de arte y el significado asociado con él es nuevo.
Autenticidad de rendimiento
Con las artes escénicas como la música y el teatro, tanto el compositor o dramaturgo como los intérpretes participan en la creación de una instancia de la obra. Hay quienes consideran que una actuación solo es verdaderamente auténtica si se aproxima lo más posible a lo que el autor original hubiera esperado ver y escuchar.
En una actuación históricamente informada, los actores o músicos harán todo lo posible para lograr este efecto utilizando réplicas de instrumentos históricos, estudiando guías históricas de actuación, etc. Ellos se consideran, por ejemplo, que una actuación de una de Mozart ‘s conciertos para piano sería ‘no auténtico’ si se juega en un concierto moderno piano de cola, un instrumento que habría sido desconocido por el compositor.
Otros no tomarían una visión tan rigurosa. Por ejemplo, aceptarían una representación de una obra de Shakespeare como auténtica incluso si las partes femeninas fueran interpretadas por mujeres en lugar de niños, y si las palabras se pronunciaran con la pronunciación moderna en lugar de con la pronunciación de la era isabelina, que sería difícil de entender para una audiencia moderna.
Autenticidad de expresión
El concepto de Dutton de autenticidad expresiva se basa en la definición alternativa de Oxford English Dictionary de «poseer autoridad original o inherente». En este sentido, la autenticidad es una medida del grado en que el trabajo del artista es una expresión comprometida y personal en lugar de derivarse de otro trabajo.
Incluye conceptos de originalidad, honestidad e integridad. En el caso de una interpretación musical, la autenticidad de la expresión puede entrar en conflicto con la autenticidad de la interpretación. El jugador es fiel a su sentido musical personal y no imita el método de tocar de otra persona. Por lo tanto, su actuación puede diferir significativamente de la de un jugador que intenta seguir el estilo común en el momento en que se compuso el trabajo musical.
La autenticidad expresiva está relacionada con el término técnico autenticidad tal como se utiliza en la filosofía existencial. Siempre se ha considerado correcto conocerse a uno mismo y actuar en consecuencia, y en la psicología existencial esta forma de autenticidad se considera fundamental para la salud mental.
Artistas destacados como los expresionistas abstractos Jackson Pollock, Arshile Gorky y Willem de Kooning se han entendido en términos existencialistas, al igual que los cineastas como Jean-Luc Godard e Ingmar Bergman. La mayor popularidad de la música basada en intérpretes en comparación con la música basada en composición es relativamente reciente.
Parece reflejar un creciente interés en la autenticidad expresiva y, por lo tanto, en los músicos que tienen un estilo único y carismático.
La cuestión de si una obra artística es una expresión auténtica depende de los antecedentes, creencias e ideales del artista. Andrew Potter cita el ejemplo de Avril Lavigne, una cantante adolescente de Napanee, Ontario, que lanzó su álbum de debut en 2002. Afirmó ser una skater de un pueblo pequeño, con su experiencia proporcionando los temas de sus canciones, y dijo que estas canciones eran suyas.
Composiciones propias Estas afirmaciones de autenticidad de expresión y de procedencia fueron cuestionadas. Sin embargo, su trabajo podría haber sido de expresión auténtica, incluso si Lavigne no lo hubiera escrito, o de procedencia auténtica si lo hubiera escrito, pero no de expresión auténtica si la imagen de una chica skater cuidadosamente cultivada fuera falsa.
La autenticidad de la expresión puede, por lo tanto, estar vinculada con la autenticidad del estilo o la tradición. Muchos sienten que no está permitido que alguien hable con la voz de otra cultura u origen racial, y que esa expresión no puede ser auténtica. Por ejemplo, el hip hop fue originalmente una forma de arte a través de la cual las minorías desfavorecidas en los Estados Unidos protestaron contra su condición.
Como se ha convertido en una cultura subterránea, hay un debate sobre si el espíritu del hip hop puede sobrevivir en una versión comercializable integrada. En «Autenticidad dentro del hip hop y otras culturas amenazadas con asimilación», Kembrew McLeodSostiene que la cultura hip hop está amenazada con la asimilación de una cultura más amplia y dominante, y que se está perdiendo la autenticidad de la expresión en este género.
Autenticidad de la experiencia
Una preocupación bastante diferente es la autenticidad de la experiencia, que puede ser imposible de lograr. Un visitante moderno a un museo no solo puede ver un objeto en un contexto muy diferente del que pretendía el artista, sino que también puede ser incapaz de comprender aspectos importantes de la obra.
La experiencia auténtica puede ser imposible de recuperar. Un curador puede aceptar esto, quizás intentando presentar las obras de arte en su condición auténtica, pero aceptando que el entorno artificial y la iluminación son legítimos para proporcionar una experiencia contemporánea de la obra de arte, incluso si esta experiencia no puede ser «auténtica».
Dutton discute la importancia de la audiencia, dando un ejemplo hipotético basado en La Scala, la famosa ópera de Milán. Se imagina que la audiencia natural, los aficionados informados de la ópera, pierden interés y dejan de asistir, pero las presentaciones continúan ofreciéndose a los turistas que no entienden el trabajo que están experimentando.
En otro ejemplo, cita a un bailarín de la isla del Pacífico que dice «¿Cultura? Eso es lo que hacemos por los turistas». En ambos casos, aunque las actuaciones pueden ser auténticas en el sentido de ser fieles al original, la autenticidad de la experiencia está abierta a debate.
Referencias
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Fuentes
- Fuente: authenticationinart.org
- Fuente: observer.com
Autor
