Inspiración artística
La inspiración (del latín inspirare, que significa «respirar») es un estallido inconsciente de creatividad en un esfuerzo literario, musical o artístico. El concepto tiene orígenes tanto en el helenismo como en el hebraísmo. Los griegos creían que la inspiración o el » entusiasmo » provenían de las musas, así como de los dioses Apolo y Dioniso.
Del mismo modo, en las religiones nórdicas antiguas, la inspiración deriva de los dioses, como Odin. La inspiración también es un asunto divino en la poética hebrea. En el libro de Amósel profeta habla de ser abrumado por la voz de Dios y obligado a hablar. En el cristianismo, la inspiración es un don del Espíritu Santo.
En el siglo XVIII, el filósofo John Locke propuso un modelo de la mente humana en el que las ideas se asocian o resuenan entre sí en la mente. En el siglo XIX, poetas románticos como Coleridge y Shelley creían que la inspiración llegó a un poeta porque el poeta estaba en sintonía con los «vientos» (divinos o místicos) y porque el alma del poeta podía recibir tales visiones.
A principios del siglo XX, el psicoanalista Sigmund Freud creía haber encontrado inspiración en la psique interna del artista. La teoría de la inspiración del psiquiatra Carl Gustav Jung sugiere que un artista está sintonizado con la memoria racial, que codificó los arquetipos de la mente humana.
La teoría marxista del arte lo ve como la expresión de la fricción entre la base económica y las posiciones superestructurales económicas, o como un diálogo inconsciente de ideologías en competencia, o como una explotación de una «fisura» en la ideología de la clase dominante. En la psicología moderna, la inspiración no se estudia con frecuencia, pero generalmente se ve como un proceso completamente interno.
Historia de los conceptos
Antiguos modelos de inspiración
En el pensamiento griego, la inspiración significaba que el poeta o artista entraría en éxtasis o furor poeticus, el frenesí divino o la locura poética. Él o ella serían transportados más allá de su propia mente y se les darían los propios pensamientos de los dioses o las diosas para encarnar.
La inspiración es anterior a la conciencia y está fuera de la habilidad ( ingenium en latín). La técnica y el rendimiento son independientes de la inspiración y, por lo tanto, es posible que el no poeta se inspire y que la habilidad de un poeta o pintor sea insuficiente para la inspiración. En la poética hebrea, la inspiración es igualmente una cuestión divina.
En el Libro de Amós, 3: 8, el profeta habla de ser abrumado por la voz de Dios y obligado a hablar. Sin embargo, la inspiración es también una cuestión de revelación.para los profetas, y los dos conceptos se entremezclan hasta cierto punto. La revelación es un proceso consciente, donde el escritor o pintor es consciente e interactivo con la visión, mientras que la inspiración es involuntaria y se recibe sin una comprensión completa.
En el cristianismo, la inspiración es un don del Espíritu Santo. San Pablo dijo que toda la escritura es inspirada por Dios ( 2 Timoteo ) y el relato de Pentecostés registra al Espíritu Santo descendiendo con el sonido de un viento poderoso. Esta comprensión de la «inspiración» es vital para aquellos que mantienen el literalismo bíblico, ya que los autores de las Escrituras, si son poseídos por la voz de Dios, no «filtrarían» ni interpondrían sus visiones personales en el texto.
Para los padres de la iglesia como San Jerónimo, David fue el poeta perfecto, ya que mejor negoció entre el impulso divino y la conciencia humana.
En las sociedades del norte, como el nórdico antiguo, la inspiración también se asoció con un regalo de los dioses. Al igual que con la literatura griega, latina y románica, los bardos nórdicos se inspiraron en un estado mágico y divino y luego moldearon las palabras con sus mentes conscientes. Su entrenamiento fue un intento de aprender a moldear fuerzas más allá de lo humano.
En el relato del Venerable Bede de Cædmon, se combinan las tradiciones cristianas y posteriores germánicas. Cædmon era un pastor sin entrenamiento ni habilidad en el verso. Una noche, tuvo un sueño en el que Jesús le pidió que cantara. Luego compuso » Himno de Cædmon «, y desde entonces fue un gran poeta.
La inspiración en la historia es producto de la gracia.: no se busca (aunque se desee), sin control e irresistible, y la actuación del poeta involucra toda su mente y cuerpo, pero es fundamentalmente un regalo.
Renacimiento renacimiento del furor poeticus
La doctrina greco-latina del origen divino de la poesía estaba disponible para los autores medievales a través de los escritos de Horacio (sobre Orfeo ) y otros, pero fueron las traducciones y comentarios latinos del autor neoplatónico Marsilio Ficino de los diálogos de Platón Ion y (especialmente) Fedro a finales del siglo XV que condujo a un retorno significativo de la concepción del furor poeticus.
Los comentarios de Ficino explicaron cómo los dioses inspiraron a los poetas y cómo este frenesí se transmitió posteriormente a los auditores del poeta a través de su poesía rapsódica, lo que permitió al oyente entrar en contacto con lo divino a través de una cadena de inspiración. El propio Ficino buscó experimentar éxtasis extático en actuaciones rapsódicas de himnos órficos-platónicos acompañados de una lira.
La doctrina también fue una parte importante del programa poético de los poetas del Renacimiento francés, colectivamente conocido como La Pléiade ( Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay, etc.); Pontus de Tyard elaboró una teoría completa de la furia / entusiasmo divino en su Solitario Premier, o Prose des Muses, y de la fureur poétique (Tyard clasificó cuatro tipos de inspiración divina:
1) furia poética, don de las Musas; ( 2) conocimiento de misterios religiosos, a través de Baco; (3) profecía y adivinación a través de Apolo; (4) inspiración traída por Venus / Eros.)
Ilustración y modelos románticos
En el siglo XVIII en Inglaterra, la naciente psicología compitió con una celebración renaciente de la naturaleza mística de la inspiración. El modelo de John Locke de la mente humana sugirió que las ideas se asocian entre sí y que una cuerda en la mente puede ser golpeada por una idea resonante. Por lo tanto, la inspiración fue una asociación de ideas algo aleatoria pero totalmente natural y un repentino unísono de pensamiento.
Además, la psicología lockeana sugirió que un sentido natural o calidad mental permitía a las personas ver la unidad en las percepciones y discernir las diferencias en los grupos. Esta «fantasía» e «ingenio», como se les llamó más tarde, eran facultades tanto naturales como desarrolladas que podrían explicar mayor o menor percepción e inspiración en poetas y pintores.
El modelo musical fue satirizado, junto con el afflatus, y los modelos de fantasía «elegantes», por Jonathan Swift en A Tale of a Tub. El narrador de Swift sugiere que la locura es contagiosa porque es una nota sonora que toca «acordes» en las mentes de los seguidores y que la diferencia entre un preso de Bedlam y un emperador fue lo que lanzó la loca idea.
Al mismo tiempo, satirizó a los protestantes radicales «inspirados»ministros que predicaban a través de la «inspiración directa». En sus materiales preliminares, describe el púlpito ideal del disidente como un barril con un tubo que va desde la parte posterior del ministro hasta un conjunto de fuelles en la parte inferior, por lo que el ministro podría inflarse hasta el punto de gritar su inspiración al congregación.
Además, Swift vio la fantasía como una cualidad antirracional, loca, donde, «una vez que la fantasía de un hombre se pone a horcajadas sobre su razón, el sentido común es expulsado».
Las teorías divergentes de inspiración que Swift satirizó continuarían, una al lado de la otra, durante los siglos XVIII y XIX. Las conjeturas de Edward Young sobre la composición original fueron fundamentales en la formulación de las nociones románticas de inspiración. Dijo que genioEs «el dios interno» el poeta que proporciona la inspiración.
Por lo tanto, Young estuvo de acuerdo con los psicólogos que estaban localizando la inspiración dentro de la mente personal (y significativamente lejos del reino de lo divino o lo demoníaco) y, sin embargo, aún presentaban una cualidad sobrenatural. El genio era una fuente de inspiración inexplicable, posiblemente espiritual y posiblemente externa.
En el esquema de Young, el genio todavía era algo externo en su origen, pero los poetas románticos pronto localizarían su origen completamente dentro del poeta. Escritores románticos como Ralph Waldo Emerson ( El poeta ) y Percy Bysshe Shelley vieron inspiración en términos similares a los griegos: era una cuestión de locura e irracionalidad.
La inspiración vino porque el poeta se sintonizó con los «vientos» (divinos o místicos) y porque fue creado de tal manera que recibiera tales visiones. Los relatos de inspiración de Samuel Taylor Coleridge fueron los más dramáticos, y su Eolian Harp fue solo el mejor de los muchos poemas que los románticos escribirían comparando poesía con una recepción pasiva y una canalización natural de los vientos divinos.
La historia que contó sobre la composición de Kubla Khan ha reducido al poeta al nivel de escriba. William Butler Yeats luego experimentaría y valoraría la escritura automática. La inspiración era evidencia de genio, y el genio era algo de lo que el poeta podía enorgullecerse, a pesar de que no podía afirmar que lo había creado él mismo.
Conceptos modernistas y modernos
Sigmund Freud y otros psicólogos posteriores localizaron la inspiración en la psique interna del artista. La inspiración del artista surgió de un conflicto psicológico no resuelto o un trauma infantil. Además, la inspiración podría venir directamente del inconsciente. Al igual que la teoría del genio romántico y la noción revivida de «frenesí poético», Freud vio a los artistas como fundamentalmente especiales y fundamentalmente heridos.
Debido a que Freud situó la inspiración en la mente inconsciente, los artistas surrealistas buscaron esta forma de inspiración recurriendo a diarios de sueños y escritura automática, el uso de tablas Ouija y encontraron poesía para tratar de aprovechar lo que vieron como la verdadera fuente del arte.
Carl Gustav JungLa teoría de la inspiración reiteró el otro lado de la noción romántica de la inspiración indirectamente al sugerir que un artista es alguien sintonizado con algo impersonal, algo que está fuera de la experiencia individual: la memoria racial.
Las teorías materialistas de la inspiración nuevamente divergen entre fuentes puramente internas y puramente externas. Karl Marx no trató el tema directamente, pero la teoría marxista del arte lo ve como la expresión de la fricción entre la base económica y las posiciones superestructurales económicas, o como un diálogo inconsciente de ideologías en competencia, o como una explotación de una «fisura» en La ideología de la clase dominante.
Por lo tanto, donde ha habido escuelas de arte totalmente marxistas, como el realismo soviético, el pintor o poeta «inspirado» también fue el pintor o poeta más consciente de la clase, y el » formalismo » fue rechazado explícitamente como decadente (por ejemplo, Sergei EisensteinLas últimas películas condenadas como «error formalista»).
Fuera de las escuelas marxistas patrocinadas por el estado, el marxismo ha mantenido su énfasis en la conciencia de clase del pintor o poeta inspirado, pero ha dejado espacio para lo que Frederic Jameson llamó un «inconsciente político» que podría estar presente en la obra de arte. Sin embargo, en cada uno de estos casos, la inspiración proviene de que el artista está particularmente en sintonía para recibir las señales de una crisis externa.
En la psicología moderna, la inspiración no se estudia con frecuencia, pero generalmente se ve como un proceso completamente interno. Sin embargo, en cada punto de vista, ya sea empírico o místico, la inspiración está, por su naturaleza, fuera de control.
Un ejemplo de un estudio moderno sobre la inspiración es el realizado por Takeshi Okada y Kentaro Ishibashi, publicado en 2016 en la revista multidisciplinaria, Cognitive Science.En este estudio de tres partes, se observó que grupos de estudiantes de arte japoneses de pregrado determinaron si copiar o simplemente reflexionar sobre ejemplos de obras de arte que sirvieron de inspiración aumentaría su producción creativa.
Los resultados del primer y segundo experimento revelaron que copiar obras de arte permitió a los estudiantes producir dibujos creativos que eran cualitativamente diferentes, pero solo cuando el ejemplo, la inspiración, presentaba un estilo que no era familiar para los estudiantes. El tercer experimento reveló que solo reflexionar sobre la inspiración desconocida produjo el mismo efecto que copiarlo.
Okada e Ishibashi sugieren que estos ejemplos desconocidos pudieron facilitar la creatividad de los estudiantes porque desafiaron las perspectivas de los estudiantes sobre el dibujo. Admiten, sin embargo,Pablo Picasso y Vincent van Gogh, que imitaron ampliamente el trabajo de otros artistas, lo que podría sugerir que «la imitación es un motor eficaz de creatividad, incluso para los expertos».
Referencias
Grahame Castor. Pléiade Poetics: Un estudio en pensamiento y terminología del siglo XVI. Cambridge University Press: 1964, págs. 26–31.
Michael JB Allen. «Neoplatonismo del Renacimiento». La historia de Cambridge de la crítica literaria. Vol III: El Renacimiento. Glyn P. Norton, ed. Cambridge U: 1999, pp. 436-438. ISBN 0-521-30008-8.
Okada, Takeshi; Ishibashi, Kentaro (2017-09-01). «Imitación, inspiración y creación: proceso cognitivo del dibujo creativo mediante la copia de obras de arte de otros». Ciencia cognitiva. 41(7): 1804-1837. doi: 10.1111 / cogs.. ISSN 1551-6709. PMID 28914472.
Brogan, TVF «Inspiration» en Alex Preminger y TVF Brogan, eds., The New Princeton Encyclopedia of Poetry and Poetics. Princeton, NJ: Princeton University Press, 1993. 609-610.
Fuentes
- Fuente: doi.org
- Fuente: www.worldcat.org
- Fuente: pubmed.ncbi.nlm.nih.gov
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